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Die besten Alben von Paco de Lucía, um sein Werk zu entdecken

Wo man anfangen sollte

Mit über dreißig veröffentlichten Alben über fünf Jahrzehnte hinweg kann das Werk von Paco de Lucía für Einsteiger überwältigend wirken. Die gute Nachricht: Man muss es nicht komplett hören, um zu verstehen, warum er als einflussreichster Flamenco-Gitarrist der Geschichte gilt — schon vier oder fünf Schlüsselalben vermitteln seine Entwicklung perfekt.

Die Zeit mit Camarón (1968-1977)

Bevor er zum weltberühmten Solokünstler wurde, war Paco de Lucía fast ein Jahrzehnt lang der feste Begleitgitarrist von Camarón de la Isla, mit dem er zehn Alben aufnahm, die den begleiteten Cante neu erfanden. Jedes dieser Alben ist ein perfekter Einstieg in seine Spielweise in einem rein flamencogeprägten Kontext, vor seinen Ausflügen in Jazz und lateinamerikanische Musik. Alben wie “Al Verte las Flores Lloran” (1969) oder “Canastera” (1972) zeigen einen noch jungen Paco, der aber bereits eine unverwechselbare Handschrift hat: ein sauberes, präzises Spiel mit einer Musikalität, die von der damals üblichen Flamenco-Begleitung abwich, bei der der Gitarrist meist im Hintergrund blieb. Mit Camarón begann Paco, Harmonien und Falsetas einzuführen, die vorwegnahmen, was er später solo tun sollte, und diese künstlerische — und persönliche — Verbundenheit ist auf Alben festgehalten, die heute zusammen mit denen von Camarón selbst als einer der Höhepunkte des Flamenco des 20. Jahrhunderts gelten.

Der Sprung zum breiten Publikum: “Fuente y Caudal” (1973)

Dies ist wahrscheinlich das Album, durch das die meisten Menschen von Paco de Lucía gehört haben, ohne es zu wissen: Es enthält “Entre dos aguas”, eine instrumentale Rumba, die zwanzig Wochen lang in den spanischen Charts stand und bis heute in jeder Liste “großer Flamenco-Klassiker” auftaucht. Es ist ein Album puren Flamencos, ohne Zugeständnisse an die Fusion, und ein guter Ausgangspunkt. Das Kuriose ist, dass “Entre dos aguas” fast durch Zufall entstand, als Studio-Improvisation, die eigentlich nicht auf dem Album landen sollte, und am Ende zum meistgehörten instrumentalen Flamenco-Stück der Geschichte wurde, gecovert von Künstlern völlig unterschiedlicher Stile. Der Rest des Albums, weniger bekannt, aber ebenso solide, enthält Soleares, Tarantas und Bulerías, die einen Paco de Lucía in voller technischer Reife zeigen, noch innerhalb des orthodoxen Flamenco, aber bereits mit Andeutungen dessen, was folgen sollte.

Seine revolutionäre Technik: Picado, Alzapúa und Harmonie

Was Paco de Lucía von jedem anderen Flamenco-Gitarristen seiner Generation unterscheidet, ist nicht nur die Geschwindigkeit — auch wenn sein Picado (die Zupftechnik mit abwechselndem Zeige- und Mittelfinger) ein bis dahin nie gesehenes Niveau erreichte —, sondern die Art, wie er das harmonische Vokabular des Instruments neu erfand. Er führte Akkorde und Substitutionen aus dem Jazz und der klassischen Musik ein, erweiterte die Verwendung von Tonleitern, die bis dahin im Flamenco kaum vorkamen, und brachte die Alzapúa — eine perkussive Daumen-Rasgueo-Technik, die vom alten Zupfstil abstammt — auf ein rhythmisches Raffinesseniveau, das für jeden Gitarristen bis heute ein Studienreferenzpunkt bleibt. Er war zudem Pionier bei der Einführung des peruanischen Cajón in den Flamenco nach einer Reise nach Peru in den 70er Jahren, ein Instrument, das heute untrennbar mit dem Genre verbunden ist und das er half, in Tablaos und Konzertsälen zu etablieren. Sein Spiel verband die rhythmische Wucht des traditionellsten Flamenco mit einer fast klassischen Sauberkeit der Ausführung, was besonders auf Soloaufnahmen wie “Almoraima” (1976) zu hören ist, das von vielen Gitarristen als technisch anspruchsvollstes Album seiner Diskografie gilt.

Instrumente: die Gitarren, die Paco de Lucía spielte

Paco de Lucía spielte im Laufe seiner Karriere mehrere Flamencogitarren namhafter spanischer Gitarrenbauer, und dieses Detail ist wichtig, um seinen Klang zu verstehen. Während eines Großteils der 70er und 80er Jahre nutzte er Gitarren des granadinischen Meisters Antonio Marín Montero, mit einem perkussiven, hellen Timbre, das sehr gut für den Flamenco im Konzertsaal geeignet ist. Später arbeitete er auch mit Gitarren von Manuel Reyes, und in seiner letzten Schaffensphase wurde seine Verbindung zu den Gitarren des valencianischen Gitarrenbauers Francisco Barba und zu Felipe Conde berühmt, dem Erben der Madrider Gitarrenbauer-Dynastie Conde Hermanos, deren Instrumente heute noch als angesehene Referenz unter professionellen Flamenco-Gitarristen gelten. Anders als bei der Konzertgitarre hatten die Gitarren, die Paco de Lucía spielte, dünnere Decken und eine niedrigere Saitenlage, konzipiert, um unmittelbar auf die Perkussion der rechten Hand zu reagieren und diesen so charakteristischen trockenen, hellen Schlag des Flamenco zu projizieren. Paco selbst sagte, eine gute Flamencogitarre müsse “sprechen”, noch bevor man sie spielt, und sein Anspruch an den Gitarrenbau war ebenso legendär wie seine Technik.

Sein Vermächtnis bei heutigen Gitarristen: Vicente Amigo, Tomatito und mehr

Es ist schwer, einen zeitgenössischen Flamenco-Gitarristen zu finden, der den Einfluss von Paco de Lucía nicht anerkennt. Vicente Amigo, einer der gefeiertsten Namen der letzten Jahrzehnte, hat offen darüber gesprochen, wie das Hören von Pacos Alben seine Art prägte, Harmonie und Komposition im Flamenco zu verstehen. Tomatito, der genau derjenige war, der nach Pacos Weggang als Begleitgitarrist von Camarón de la Isla übernahm, entwickelte einen eigenen Stil, ausgehend von derselben technischen und harmonischen Sprache, die Paco eröffnet hatte. Andere Gitarristen wie Gerardo Núñez, Josemi Carmona oder die jüngere Generation von Namen wie Antonio Rey oder Dani de Morón nennen Paco de Lucía ständig als unumgängliche Referenz, nicht nur wegen seiner Technik, sondern wegen seiner Art, den Flamenco als eine der Fusion offene Sprache zu verstehen, ohne dabei seine Wurzel zu verlieren. Außerhalb Spaniens verweisen Jazz- und Weltmusikgitarristen — von Al Di Meola bis zu Flamenco-Fusion-Musikern in Lateinamerika — auf seine Alben als den Moment, in dem der Flamenco aufhörte, ein “geschlossenes” Genre zu sein, und zu einer Sprache wurde, die mit jeder anderen musikalischen Tradition dialogfähig ist.

Die Jazzfusion: McLaughlin und Al Di Meola

In den 80er Jahren bildete Paco de Lucía ein legendäres Trio mit den Gitarristen John McLaughlin und Al Di Meola. Aus dieser Zusammenarbeit entstand “Friday Night in San Francisco” (1981), eine Live-Aufnahme, die über eine Million Mal verkauft wurde — ein Album, durch das viele Jazzfans, ohne es zu beabsichtigen, den Flamenco entdeckten. Das Trio entstand aus einer improvisierten Konzerttournee nach der Absage eines Konzerts von McLaughlin, und die Chemie zwischen den drei Gitarristen — jeder mit einer eigenen technischen Sprache — war so explosiv, dass daraus eine der meistverkauften Live-Aufnahmen in der Geschichte des Jazz-Flamenco wurde. Vor dieser Zusammenarbeit hatte Paco bereits mit seinem Sextett die Fusion erkundet, einer Gruppe, mit der er elektrischen Bass, Flöte und lateinamerikanische Perkussion in die Strukturen des traditionellen Flamenco einbrachte und damit die Grundlagen dessen legte, was heute als “Flamenco Fusion” oder “Nuevo Flamenco” bekannt ist.

Auszeichnungen und internationale Anerkennung

Die Anerkennung für Paco de Lucía ging weit über den Flamenco-Bereich hinaus. 2004 erhielt er den Príncipe de Asturias-Preis für die Künste, eine der prestigeträchtigsten Auszeichnungen der spanischsprachigen Welt, und 2010 wurde er vom Berklee College of Music in Boston, der weltweit führenden Institution für Jazz- und zeitgenössische Musikausbildung, zum Ehrendoktor ernannt — die ihm damit erstmals in ihrer Geschichte diese Ehrenauszeichnung an einen Flamenco-Gitarristen verlieh. In Spanien wurde er mit der Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes ausgezeichnet, und seine Zusammenarbeit mit Sinfonieorchestern — wie das berühmte Konzert mit den Berliner Philharmonikern 2011 — war ein Meilenstein für die Anerkennung des Flamenco als Konzertmusik auf demselben Niveau wie die Klassik oder der Jazz. Sein Einfluss wurde auch posthum gewürdigt: Nach seinem Tod 2014 zollten Regierungen, Kulturinstitutionen und Musiker aus aller Welt — von Chick Corea bis John McLaughlin selbst — demjenigen Tribut, der zweifellos als der Gitarrist gilt, der den Platz des Flamenco in der globalen Musik für immer veränderte.

Seine letzten Jahre

Auf dem Höhepunkt seiner Reife erforschte Paco de Lucía weiterhin Grenzgänge zu anderen Traditionen — von der klassischen Musik bis zur Zusammenarbeit mit den Berliner Philharmonikern im Jahr 2011 — ohne je aufzuhören, zu seinen Wurzeln zurückzukehren. Sein letztes Studioalbum, “Cositas Buenas” (2004), fasst diese doppelte Treue gut zusammen: flamencogeprägte Wurzeln und grenzenlose Neugier. In seinen letzten Jahren verband er internationale Tourneen mit langen Rückzugsphasen in Mexiko, wo er einen Teil des Jahres lebte, und spielte fast bis zum Schluss weiterhin live, treu einem technischen Anspruch, der nie nachließ. Er starb im Februar 2014 in Playa del Carmen und hinterließ eine Diskografie, die weiterhin der unumgängliche Bezugspunkt bleibt, um die Geschichte des modernen Flamenco und seine internationale Ausstrahlung zu verstehen.

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