Rosalía und der neue Flamenco: die Kontroverse, die das Genre veränderte

Eine orthodoxe Flamenco-Ausbildung vor der Kontroverse

Bevor sie zum globalen Phänomen wurde, war Rosalía jahrelang eine disziplinierte Schülerin des traditionellen Flamenco-cante. Sie studierte am Institut Superior de Música (ESMUC) in Barcelona unter der Anleitung von Catalina „La Chaqueta”, einer cantaora und Lehrerin mit gitano-Wurzeln, die ihr den reinsten und orthodoxesten cante vermittelte: soleares, seguiriyas, tonás, das gesamte jonda-Repertoire, das das Gebäude des Flamenco von innen trägt. Diese Ausbildungsphase war weder eine symbolische Geste noch ein Lebenslauf-Schmuck: Rosalía verbrachte Jahre damit, in peñas flamencas zu singen, jahrhundertealte Texte auswendig zu lernen und sich dem Urteil einer Welt zu stellen – dem traditionellen Flamenco –, die niemandem allein aufgrund seines Lebenslaufs Anerkennung schenkt.

Das Ergebnis dieser Phase war „Los Ángeles” (2017), ihr Debütalbum, aufgenommen zusammen mit dem Gitarristen Raül Refree mit minimaler Instrumentierung – Stimme und Gitarre, kaum ein Verzierung – und einem Repertoire an Flamenco-cante, das jeder orthodoxe Fan wiedererkennt. Die Fachkritik nahm das Album im Allgemeinen mit Überraschung und Respekt auf: Hier war eine katalanische cantaora ohne gitano-Abstammung, die den cante dennoch mit einer technischen Strenge beherrschte, die schwer zu bestreiten war. „Los Ángeles” funktionierte gewissermaßen als Referenz: der Beweis, dass Rosalía die Spielregeln kannte, bevor sie sich vornahm, sie zu brechen.

Der Sprung: „El Mal Querer” (2018)

Alles änderte sich mit „El Mal Querer”, dem Konzeptalbum, das Rosalía als ihre Abschlussarbeit an der ESMUC präsentierte und das zu einem kulturellen Phänomen mit internationaler Ausstrahlung wurde. Als musikalischer Roman in elf Kapiteln aufgebaut, inspiriert von „Flamenca”, einer okzitanischen mittelalterlichen Geschichte über besitzergreifende Liebe und geschlechtsspezifische Gewalt, mischte das Album Flamenco-palos mit Trap, R&B, urbaner Musik und zeitgenössischer elektronischer Produktion, teilweise mitgezeichnet vom Produzenten El Guincho.

Der Unterschied zu „Los Ángeles” war radikal. Wo das erste Album puren Flamenco mit reduzierter Instrumentierung bot, integrierte „El Mal Querer” elektronisch bearbeitete palmas, Samples, gelegentliches Autotune und Songstrukturen des urbanen Pop, ohne den cante dabei völlig aufzugeben: Weiterhin tauchten bulerías, tangos oder coplas innerhalb dieses neuen klanglichen Rahmens auf. Songs wie „Malamente” oder „Pienso en tu mirá” wurden zu Massenerfolgen, mit Millionen von Streams und einer medialen Wirkung, die kein Flamenco-Album seit Jahrzehnten gehabt hatte. Rosalía wurde innerhalb weniger Monate von einer Nachwuchshoffnung im Flamenco-Umfeld zu einem globalen Popstar, Gewinnerin von Latin Grammys und mit Kollaborationen mit Künstlern wie J Balvin, Travis Scott oder Billie Eilish.

Die Kontroverse: kulturelle Aneignung und Legitimität

Der Erfolg von „El Mal Querer” brachte eine Kontroverse mit sich, die Jahre später noch lebendig ist. Die Debatte lässt sich auf eine unbequeme Frage zusammenfassen: Hat eine katalanische Künstlerin ohne gitano-Abstammung oder familiäre Verbindung zur Flamenco-Tradition die Legitimität, zum globalen Gesicht des Genres zu werden und dabei kommerziell von einer Tradition zu profitieren, die im ethnischen oder kulturellen Sinne nicht „ihre” ist?

Die schärfsten Kritiker weisen auf mehrere Punkte hin. Erstens, dass der Flamenco historisch eine vom gitano-Volk unter Ausgrenzung und Armut geschmiedete Kunst ist, und dass seine internationale Anerkennung schneller und mit größerer wirtschaftlicher Belohnung für eine paya-Künstlerin gekommen ist als für Generationen von gitano-cantaores, die nie diesen Zugang zu den großen Medien oder globalen Plattenfirmen hatten. Zweitens, dass bestimmte ästhetische Elemente des Albums – die Verwendung des Wortes „gitana” in manchen Texten, die visuelle Ikonografie ihrer Musikvideos, Verweise auf Santería oder mit der gitano-Kultur verbundene Symbolik – von Teilen der gitano-Gemeinschaft als oberflächliche Aneignung wahrgenommen wurden, der Tradition entnommen ohne den gebotenen Kontext oder Respekt. Organisationen und gitano-Künstler, darunter cantaores und Aktivisten, äußerten öffentlich ihr Unbehagen über das, was sie als kommerzielle Nutzung fremder kultureller Symbole betrachteten.

Rosalías Verteidiger argumentieren wiederum, dass der Flamenco, wie jede lebendige Kunst, nie eine geschlossene oder in einem essentialistischen Sinne „reine” Tradition war: Er entstand bereits aus einer Vermischung von gitano-, andalusischer, arabischer und jüdischer Kultur, und seine Geschichte ist voller Fusionen und äußerer Einflüsse. Sie weisen zudem darauf hin, dass Rosalía sich über Jahre hinweg ernsthaft und rigoros ausgebildet hat, dass ihr Debütalbum reale technische Beherrschung des cante belegt, und dass die Experimentierfreude mit neuen Klängen genau das ist, was den Flamenco im Laufe seiner Geschichte lebendig gehalten hat, statt ihn zu einem Museumsstück zu machen.

Der Präzedenzfall Enrique Morente und „Omega”

Dies ist nicht das erste Mal, dass die Flamenco-Welt eine Kontroverse dieser Art erlebt, und es lohnt sich, an einen direkten Präzedenzfall zu erinnern: Enrique Morente und sein Album „Omega” (1996). Morente, ein cantaor aus Granada mit gitano-Wurzeln und makelloser Laufbahn im orthodoxesten Flamenco, überraschte die Kritik, als er ein Album aufnahm, das Flamenco-cante mit alternativem Rock verschmolz, in Zusammenarbeit mit der Gruppe Lagartija Nick und unter Verwendung von Texten von Federico García Lorca und Leonard Cohen als lyrische Grundlage.

Die Reaktion eines Teils des puristischeren Sektors war frontale Ablehnung: Man warf ihm vor, den cante zu verraten, den Flamenco an den Rockmarkt zu „verkaufen”, die Orthodoxie aufzugeben, die er selbst seine ganze Karriere lang verteidigt hatte. Im Laufe der Jahre wurde „Omega” jedoch als eines der einflussreichsten und innovativsten Werke der modernen Flamenco-Geschichte anerkannt, eine direkte Brücke zwischen der jonda-Tradition und den neuen Hörergenerationen, die über den Rock zum Flamenco fanden. Die Parallele zu Rosalía liegt auf der Hand: Beide Künstler, in der Orthodoxie ausgebildet, entschieden sich, von innen heraus Formen zu sprengen, und beide erfuhren dafür eine anfängliche Ablehnung, die die Zeit abgemildert hat, auch wenn sich die Debatte bei Morente vor allem um ästhetische Reinheit drehte, während bei Rosalía die heiklere Dimension kultureller und ethnischer Identität hinzukommt.

Befürworter und Gegner innerhalb der Flamenco-Welt

Die Debatte um Rosalía ist nicht einmal innerhalb des Flamenco selbst einhellig. Angesehene cantaores und Gitarristen haben sich in entgegengesetzte Richtungen positioniert. Manche Stimmen aus dem traditionelleren Flamenco haben offen ihre Legitimität infrage gestellt, das Genre auf internationaler Ebene zu vertreten, mit dem Argument, dass ihr Erfolg gitano-Künstler mit weitaus längeren Laufbahnen und einer blutsverwandten Lebensbeziehung zur Tradition medial überschattet. Andere haben dagegen öffentlich ihr Talent und ihre technische Strenge verteidigt und daran erinnert, dass der Flamenco frisches Blut und Sichtbarkeit braucht, um in einem zunehmend fragmentierten globalen Musikmarkt zu überleben.

Bezeichnend ist, dass ein Großteil der Flamenco-Branche – Festivals, peñas, spezialisierte Plattenlabels – eine ambivalente Haltung eingenommen hat: Man erkennt den positiven Einfluss Rosalías auf Sichtbarkeit und die Anziehung neuer junger Zielgruppen zum Flamenco an, besteht aber gleichzeitig darauf, dass sich diese mediale Aufmerksamkeit auch in echte Chancen für die gitano-Flamenco-Künstler übersetzen muss, die die Tradition im Alltag tragen, fernab der großen internationalen Bühnen.

Auswirkung auf die globale Popularisierung des Flamenco

Unabhängig von der Kontroverse ist es unbestreitbar, dass Rosalía einen außergewöhnlichen Einfluss auf die internationale Sichtbarkeit des Flamenco hatte. Dank „El Mal Querer” und ihrer späteren Werke haben Millionen von Hörern, die nie zuvor Kontakt mit dem Genre hatten – vor allem junges Publikum und Menschen außerhalb Spaniens –, palos, Rhythmen und Flamenco-Ästhetiken über ein Pop-Vehikel entdeckt, das weitaus zugänglicher war als ein Album mit reinem cante. Dieser „Einstiegstür”-Effekt hat in der Praxis Flamenco-Festivals, den Verkauf von Alben traditionellerer Künstler und das allgemeine Interesse an der Flamenco-Kultur auf Streaming-Plattformen begünstigt.

Gleichzeitig wirft dieses Phänomen eine Frage neu auf, die sich der Flamenco seit mehr als einem Jahrhundert stellt, lange vor Rosalía oder Morente: Bis zu welchem Punkt kann sich eine Kunst fusionieren, ohne ihre Identität zu verlieren, und wer hat das Recht zu entscheiden, wo diese Grenze liegt? Es gibt keine abschließende Antwort, und wahrscheinlich wird es sie nie geben, weil sich der Flamenco selbst historisch aus ähnlichen Spannungen heraus konstruiert hat. Klar scheint jedoch: Ob einem das konkrete künstlerische Ergebnis gefällt oder nicht, Rosalía hat die globale Musikindustrie gezwungen, erneut auf den Flamenco zu blicken, und diese Aufmerksamkeit kann, gut genutzt, zu einer echten Chance für das gesamte Genre werden, nicht nur für sie selbst.

Zum Weiterlesen

Um den direktesten Präzedenzfall dieser Kontroverse besser zu verstehen, lohnt sich ein Blick auf die Laufbahn eines weiteren Erneuerers, der seinerzeit ebenfalls die Flamenco-Welt spaltete: Enrique Morente: unverzichtbare Alben eines Revolutionärs des cante.

Wenn du Rosalía in die Genealogie der Künstler einordnen willst, die vom reinsten cante aus Formen sprengten, ist dieser Überblick ein guter Ausgangspunkt: Die besten Alben von Camarón de la Isla, um sein Vermächtnis zu entdecken.

Und für einen vollständigen Überblick darüber, wie sich das Genre bis zu dieser Debatte entwickelt hat, verpasse nicht Geschichte des Flamenco: von den Ursprüngen bis zum 21. Jahrhundert.