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Les meilleurs disques de Paco de Lucía pour découvrir son œuvre

Par où commencer

Avec plus de trente disques publiés sur cinq décennies, l’œuvre de Paco de Lucía peut sembler écrasante pour qui débute. La bonne nouvelle, c’est qu’il n’est pas nécessaire de tout écouter pour comprendre pourquoi il est considéré comme le guitariste flamenco le plus influent de l’histoire — quatre ou cinq disques clés suffisent à saisir parfaitement son évolution.

L’époque avec Camarón (1968-1977)

Avant de devenir un soliste de renommée mondiale, Paco de Lucía a été pendant près d’une décennie le guitariste attitré de Camarón de la Isla, avec qui il a enregistré dix disques qui ont réinventé le cante accompagné. N’importe lequel de ces disques constitue une porte d’entrée parfaite vers sa façon de jouer dans un contexte purement flamenco, avant ses incursions dans le jazz et la musique latine. Des disques comme « Al Verte las Flores Lloran » (1969) ou « Canastera » (1972) montrent un Paco encore jeune mais déjà doté d’une signature reconnaissable : un jeu propre, précis et d’une musicalité qui sortait de l’ordinaire pour l’accompagnement flamenco de l’époque, où le guitariste restait généralement en retrait. Avec Camarón, Paco a commencé à introduire des harmonies et des falsetas qui préfiguraient ce qu’il ferait ensuite en solo, et cette complicité artistique — et personnelle — reste gravée dans des disques aujourd’hui considérés, aux côtés de ceux de Camarón lui-même, comme l’un des sommets du flamenco du XXe siècle.

Le saut vers le grand public : « Fuente y Caudal » (1973)

C’est probablement le disque grâce auquel le plus de gens ont entendu parler de Paco de Lucía sans le savoir : il contient « Entre dos aguas », une rumba instrumentale restée vingt semaines dans les classements espagnols et qui figure encore aujourd’hui dans toute liste des « grands classiques du flamenco ». C’est un disque de flamenco pur, sans concession à la fusion, et un excellent point de départ. Le plus curieux, c’est qu’« Entre dos aguas » est né presque par accident, comme une improvisation de studio qui devait rester hors du disque, et a fini par devenir la pièce instrumentale de flamenco la plus écoutée de l’histoire, reprise par des artistes de styles complètement différents. Le reste de l’album, moins connu mais tout aussi solide, comprend des soleares, des tarantas et des bulerías qui montrent un Paco de Lucía en pleine maturité technique, encore dans le flamenco orthodoxe mais déjà en train d’esquisser ce qui allait suivre.

Sa technique révolutionnaire : picado, alzapúa et harmonie

Ce qui distingue Paco de Lucía de tout autre guitariste flamenco de sa génération, ce n’est pas seulement la vitesse — bien que son picado (la technique consistant à pincer avec l’index et le majeur en alternance) ait atteint des niveaux jamais vus jusque-là — mais la manière dont il a réinventé le vocabulaire harmonique de l’instrument. Il a introduit des accords et des substitutions empruntés au jazz et à la musique classique, élargi l’usage de gammes qui jusque-là apparaissaient à peine dans le flamenco, et porté l’alzapúa — une technique percussive de rasgueo avec le pouce, héritée du jeu pincé ancien — à un niveau de sophistication rythmique qui reste une référence d’étude pour tout guitariste. Il fut aussi le premier à intégrer le cajón péruvien au flamenco après un voyage au Pérou dans les années 70, un instrument aujourd’hui inséparable du genre et qu’il a contribué à faire adopter dans les tablaos et les salles de concert. Sa façon de jouer combinait la fureur rythmique du flamenco le plus traditionnel avec une propreté d’exécution presque classique, particulièrement perceptible sur des enregistrements en solo comme « Almoraima » (1976), considéré par beaucoup de guitaristes comme le disque techniquement le plus exigeant de sa discographie.

Instruments : les guitares que jouait Paco de Lucía

Tout au long de sa carrière, Paco de Lucía a joué plusieurs guitares flamencas de luthiers espagnols de référence, et ce détail compte pour comprendre son son. Pendant une bonne partie des années soixante-dix et quatre-vingt, il a utilisé des guitares du maître grenadin Antonio Marín Montero, avec un timbre percussif et brillant très adapté au flamenco de concert. Plus tard, il a aussi travaillé avec des guitares de Manuel Reyes et, dans sa dernière période, son lien avec les guitares du luthier valencien Francisco Barba et avec Felipe Conde, héritier de la lignée de luthiers madrilènes Conde Hermanos, est devenu célèbre — des instruments qui restent aujourd’hui une référence prestigieuse parmi les guitaristes flamencos professionnels. Contrairement à la guitare classique, les guitares que jouait Paco de Lucía avaient des tables plus fines et une action des cordes plus basse, pensées pour répondre avec immédiateté à la percussion de la main droite et projeter ce coup sec et brillant si caractéristique du flamenco. Paco lui-même disait qu’une bonne guitare flamenca devait « parler » avant même d’être jouée, et son exigence en matière de lutherie était aussi légendaire que sa technique.

Son héritage chez les guitaristes actuels : Vicente Amigo, Tomatito et d’autres

Il est difficile de trouver un guitariste flamenco contemporain qui ne reconnaisse pas l’empreinte de Paco de Lucía. Vicente Amigo, l’un des noms les plus acclamés de ces dernières décennies, a parlé ouvertement de la manière dont l’écoute des disques de Paco a marqué sa façon de comprendre l’harmonie et la composition au sein du flamenco. Tomatito, qui a précisément pris le relais comme guitariste de Camarón de la Isla après le départ de Paco, a développé un style propre mais en partant du même langage technique et harmonique que Paco avait ouvert. D’autres guitaristes comme Gerardo Núñez, Josemi Carmona ou la génération plus jeune de noms comme Antonio Rey ou Dani de Morón citent constamment Paco de Lucía comme une référence incontournable, non seulement pour sa technique mais pour sa façon de comprendre le flamenco comme un langage ouvert à la fusion sans perdre sa racine. Hors d’Espagne, des guitaristes de jazz et de musiques du monde — d’Al Di Meola aux musiciens de flamenco fusion en Amérique latine — désignent ses disques comme le moment où le flamenco a cessé d’être un genre « fermé » pour devenir un langage capable de dialoguer avec n’importe quelle autre tradition musicale.

La fusion avec le jazz : McLaughlin et Al Di Meola

Dans les années 80, Paco de Lucía forme un trio légendaire avec les guitaristes John McLaughlin et Al Di Meola. De cette collaboration est né « Friday Night in San Francisco » (1981), enregistré en public et vendu à plus d’un million d’exemplaires, un disque grâce auquel beaucoup d’amateurs de jazz ont découvert le flamenco sans le chercher. Le trio est né d’une tournée de concerts improvisée après l’annulation d’un concert de McLaughlin, et la alchimie entre les trois guitaristes — chacun avec un langage technique différent — s’est révélée si explosive qu’elle est devenue l’un des enregistrements live les plus vendus de l’histoire du jazz-flamenco. Avant cette collaboration, Paco avait déjà exploré la fusion avec son Sexteto, un groupe avec lequel il a incorporé basse électrique, flûte et percussion latine aux structures du flamenco traditionnel, posant les bases de ce qu’on appelle aujourd’hui le « flamenco fusion » ou le « nuevo flamenco ».

Prix et reconnaissance internationale

La reconnaissance de Paco de Lucía a largement dépassé le cadre du flamenco. Il a reçu le Prix Prince des Asturies des Arts en 2004, l’une des distinctions les plus prestigieuses du monde hispanophone, et en 2010 il a été nommé docteur honoris causa par le Berklee College of Music de Boston, l’institution de référence mondiale en matière d’enseignement du jazz et de la musique contemporaine, qui lui a également décerné son premier prix honorifique à un guitariste flamenco de son histoire. En Espagne, il a été distingué par la Médaille d’Or au Mérite des Beaux-Arts, et ses collaborations avec des orchestres symphoniques — comme le célèbre concert avec la Philharmonie de Berlin en 2011 — ont marqué un jalon pour la reconnaissance du flamenco comme musique de concert au même niveau que la classique ou le jazz. Son influence a aussi été reconnue à titre posthume : après sa mort en 2014, des gouvernements, institutions culturelles et musiciens du monde entier — de Chick Corea à John McLaughlin lui-même — ont rendu hommage à celui qui est considéré, sans discussion, comme le guitariste qui a changé pour toujours la place du flamenco dans la musique mondiale.

Ses dernières années

En pleine maturité, Paco de Lucía a continué à explorer des croisements avec d’autres traditions — de la musique classique jusqu’à sa collaboration avec la Philharmonie de Berlin en 2011 — sans jamais cesser de revenir à ses racines. Son dernier album studio, « Cositas Buenas » (2004), résume bien cette double fidélité : racine flamenca et curiosité sans limites. Dans ses dernières années, il a combiné les tournées internationales avec de longues périodes de retraite au Mexique, où il vivait une partie de l’année, et a continué à jouer en direct presque jusqu’à la fin, fidèle à une exigence technique qui n’a jamais baissé de niveau. Il est mort en février 2014 à Playa del Carmen, laissant une discographie qui reste le point de référence incontournable pour comprendre l’histoire du flamenco moderne et son rayonnement international.

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